2026年6月9日，澳大利亚国立大学（ANU）Samantha Bennett教授——同时也是国际流行音乐研究协会（International Association for the Study of Popular Music，简称IASPM）现任主席——应邀在K7娱乐
开展题为“超越乐谱：录音流行音乐中的技术与过程分析”的学术讲座。作为“乐和万里·大河知音”第二届K7娱乐
国际交流月活动的一部分，本场讲座采用线上线下相结合的形式举办，K7娱乐
副教授、流行音乐研究所所长郭鹏担任与谈人，青年教师张小丹担任翻译，王鹂、李申等老师及部分本、硕士研究生到场参与本次活动。此外，线上参与本次学术活动的还有来自上海K7娱乐
等国内外四十余所高校及科研机构的音乐专业师生。
讲座依托录音音乐学前沿理论，围绕Bennett教授提出的“技术—过程分析法”展开，系统阐述传统乐谱在流行音乐分析中的局限，展示录音与制作技术以及录音创作者（recordist）的工作过程如何深刻影响流行音乐文本，并结合不同年代、不同风格的经典录音作品，展示该方法在全球流行音乐研究中的实践应用。
一、从乐谱到录音：流行音乐分析的对象转换
讲座首先梳理了流行音乐分析的学术脉络，并反思当下音乐研究中有待拓展的面向。长期以来，西方传统音乐分析以视觉化的乐谱文本为核心，聚焦旋律、和声、曲式等可记谱要素，容易以乐谱所能呈现的音乐参数作为分析中心。这套研究范式难以适配现代录音流行音乐：乐谱无法精准还原录音作品的声学特征、动态层次、空间声场、频率变化以及后期音效处理等听觉细节。此外，Bennett教授还引述Ewell（2021）的研究指出，乐谱体系在全球音乐与原住民音乐的分析中同样因其局限性而受到批评。同时，既有流行音乐分析与录音音乐学研究中，经典摇滚长期占据重要位置；而后朋克、金属乐、电子采样乐、风格融合类音乐以及各类亚文化音乐，则提示出进一步拓展分析对象与方法的必要性。
除此之外，既有研究往往更关注作品、表演或接受层面，而较少将录音技术、制作过程与录音创作者的具体操作作为音乐意义形成的重要因素。基于Ruth Dockwray、Allan Moore、Simon Zagorski-Thomas及Bennett教授本人等多位学者的前期研究，“录音音乐学”（phonomusicology）逐步发展，该研究方向将录音成品视作流行音乐的核心研究对象。Bennett教授在此基础上提出技术—过程分析法，突破以乐谱为中心的分析惯性，为录音流行音乐提供了新的分析视角。
二、技术—过程分析：打开录音作品的内部结构
讲座详细阐释了技术—过程分析法的核心构成。Bennett教授指出，对一件录音的分析首先需要重建其技术—过程语境（tech-processual context），包括录音创作者的背景与意图、工作场所（workplace）的条件、技术选择的原因等。在此基础上，分析聚焦于“技术”（technology）与“过程”（process）两个关键维度。技术维度主要指向录音与制作系统所带来的可听特质，涵盖录音设备、调音台、麦克风及摆放方式、动态处理器、时基信号处理器（time-based signal processor）、均衡器与滤波器等技术系统产生的声音效果。过程维度则聚焦录音创作者在制作中的操控与设计，包括混音中乐器的空间分布、立体声场定位、整体音量配比，以及音量、频率、效果处理、声像的自动化编辑、音频剪辑拼接等制作行为。
Bennett教授强调，录音技术与制作过程并非音乐之外的附属条件，而是与旋律、歌词、曲式等共同参与录音文本的意义建构。从模拟磁带时代到早期数字采样设备，再到如今普及的数字音频工作站，不同阶段的技术特征、制作手法都会塑造独有的听觉风格，同时承载创作者的艺术构思、情绪表达与叙事内涵。
三、从后朋克到采样艺术：三个案例中的声音建构
讲座中，Bennett教授选取覆盖不同时期与风格的经典作品作为案例，依次解析后朋克、金属与早期艺术摇滚代表作的制作细节。具体分析如下：
Siouxsie and the Banshees乐队的《Peek-A-Boo》作为20世纪80年代后朋克代表作，以模拟磁带反向采样、手工剪辑为核心创作手段。录音创作者Mike Hedges通过修剪磁带片段校准倒放采样的速度，搭建稳定的节奏基底——Bennett教授将这一过程定性为具体音乐（musique concrète）式的拼贴；作品使用多支麦克风逐句录制人声，结合立体声场移位、差异化滤波与混响处理，为主唱Siouxsie Sioux所扮演的舞者角色构建了一个虚拟的"窥视秀"（peepshow）表演舞台。值得一提的是，该案例的分析方法融合了电影音乐分析技法，将录音中的声音环境视为具有电影感（filmic）的空间来加以解读。
瑞典金属乐队Ghost的《Cirice》依托宽广的动态范围、混响与延迟等时基信号处理，模拟中世纪大教堂声场与暴风雨环境，借助音量起伏、留白、副歌中4/4与2/4拍号交替等设计，塑造出孤寂、压抑的情绪氛围。其中，定音鼓（timpani）主导动机通过混响衰减时间的差异化处理，同时类比了教堂外远处的雷声与主角内心的心跳，体现出环境情境与情感情境的双重建构。
The Art of Noise的《Close (to the Edit)》（该案例取自Bennett教授即将发表于《The Oxford Handbook of Popular Music Sampling》的章节）聚焦Fairlight CMI——一台集采样、合成与音序功能于一体的早期计算机音乐乐器，剖析8位采样（8-bit PCM）特有的低保真质感与量化噪声（quantisation noise）美学。作品通过采样切片、倒放、截断混响等拼贴手法，并以"发动汽车"采样的多重变体构建打击乐循环、以礼拜堂录制的人声采样及其反转版构建声音空间，凸显早期电子采样艺术的创作特征。
四、从方法到对话：现场交流与学术回应
讲座尾声，线上线下师生与Bennett教授围绕讲座内容展开多维度的探讨，涵盖听觉感知、创作技法、分析范式等多个方向。交流环节中，郭鹏老师结合自身研究提出"身体空间、物质空间、符号空间"三重空间分析法（Tripartite Space Analysis），认为Bennett教授的技术—过程分析与该研究视角存在可以相互对话之处——录音制作技术或许可以作为衔接作品的身体演绎与符号文本的重要中介，也从另一角度显示出录音制作在流行音乐创作与分析中的重要价值。他期待在未来的邮件交流与学术会议中与Bennett教授继续探讨这种"殊途同归"的研究思路。
张小丹老师结合翻译筹备过程中的文献研读积累分享感悟，指出若把Bennett教授的研究放到更大的流行音乐分析谱系中来看，她的工作并不是对John Covach、Allan Moore等前辈学者的否定，而是在他们所奠定的基础上继续推进。早期流行音乐分析为我们理解歌曲结构、摇滚曲式、声音意义和听觉空间提供了重要工具；而Bennett教授的研究进一步把分析重心转向录音制作本身，追问这些声音空间、情感效果和音乐意义究竟是由哪些技术、哪些人、哪些工作场所和哪些制作过程塑造出来的。
参会人员普遍认为，本场讲座的重要性不仅在于介绍了一种具体的方法论，也在于拓宽了我们对"音乐文本"的理解。对于流行音乐而言，文本不只是乐谱，不只是歌词，也不只是可以被现场演奏出来的歌曲结构；它还包括录音作为声音对象的全部复杂性。该研究让我们意识到，认真聆听一首流行音乐录音，也意味着认真聆听其中的技术历史、制作劳动和声音想象。
五、跨越地域的学术回响：四十余所高校共同参与
讲座结束后，Bennett教授在与组织方的邮件中表示，自2020年在加州大学伯克利分校（UC Berkeley）举办讲座以来，她还从未见过学生对她的研究表现出如此高度的投入，因此本次活动对她而言意义非凡——尤其这是她首次面向中国高校进行学术演讲。
此外，她在个人LinkedIn账号发布动态，详细回顾了本次讲座的内容与交流情况。她在动态中提到，讲座中最精彩的部分来自讨论环节——学生们围绕听众主体性与位置性、阐释方法、数字音频工作站与流媒体平台对声音特征的影响、以及录音美学如何反哺作曲与表演等议题提出了多个切中要害的问题。她还特别@了河南大学（Henan University），并在动态末尾以中文写道：“非常感谢你们邀请我！”
本次讲座的线上听众来自国内外四十余所高校及科研机构，覆盖东北、华东、华南、西北等不同地区，既体现了本次活动“立足中原、辐射全国”的设想，也展现出K7娱乐
在流行音乐研究领域持续拓展国际学术交流的努力。
整场讲座兼具理论深度与实践价值，清晰论证了“超越乐谱”开展录音流行音乐分析的必要性。技术—过程分析法不仅丰富了录音音乐学的研究视野，也为后朋克、金属、采样音乐等多元风格提供了有效的分析路径，推动流行音乐分析在歌曲结构、歌词意义和风格语境之外，更充分地纳入技术、听觉、空间与制作过程等维度。本次学术讲座的成功举办，也为K7娱乐
在流行音乐教学实践、科研创新与国际学术交流方面提供了新的启发。
